DouglasDADE

Docemente Pornográficos - Espetáculo Teatral - Porto Verão Alegre

2012-01-07T23:59:00.000-02:00

DOCEMENTE PORNOGRÁFICOS: apoie essa ideia!

2012-01-07T20:13:00.003-02:00

Docemente Pornográficos no 13º Porto Verão Alegre

2011-12-20T09:03:00.003-02:00

Temporada CONFIRMADÍSSIMA no Porto Verão Alegre! Estréia dia 13, na 13º edição do maior festival de teatro do verão porto-alegrense!

DOCEMENTE PORNOGRÁFICOS

De 13 a 22 de janeiro de 2012 (todos os dias, exceto segunda)

Sempre às 21h

Sala Cecy Frank, 4º andar da Casa de Cultura Mario Quintana

Sarau Docemente Pornográfico!

2011-12-04T12:30:00.001-02:00

Galera! Notícia em primeira mão pra vocês:

SARAU DOCEMENTE PORNOGRÁFICO

Dia 17 de dezembro - a partir das 21h
MEME - Santo de Casa (Rua Lopo Gonçalves, 176 - Cidade Baixa)
Entrada: R$ 10,00

Venha se divertir no lançamento oficial do espetáculo teatral "Docemente Pornográficos", da Cia. de Teatro Gato&Sapato, que estreia em 13 de janeiro de 2012, falando de romance, desejo e sedução! Várias performances artísticas sensuais para mexer com sua libido!

CONTO COM A PRESENÇA DE TODOS VOCÊS!

Para apoiar o projeto AGORA, vá em:

E SEJA VOCÊ TAMBÉM DOCEMENTE PORNOGRÁFICO!!!

Docemente Pornográficos no CATARSE

2011-11-08T00:40:00.002-02:00

É com muito orgulho que apresento a vocês o projeto Docemente Pornográficos, um espetáculo teatral que fala de desejo, romance e sedução, e que está captando recursos através do CATARSE, a mais nova plataforma de financiamento coletivo que tá bombando nas paradas! Quem quiser colaborar com o projeto, clica no link abaixo, e SEJA VOCÊ TAMBÉM DOCEMENTE PORNOGRÁFICO:

BLOG Docemente Pornográficos

2011-11-07T20:06:00.000-02:00

OBA!!! Novo blog no ar! Em Janeiro: Docemente Pornográficos!!!

http://docementepornograficos.blogspot.com/

Participem, comentem, divulguem!!!

A minha saudade de Dois Perdidos Numa Noite Suja

2011-09-19T16:06:00.002-03:00

Fui assistir à Dois Perdidos Numa Noite Suja, célebre texto de Plínio Marcos, encenado pela Cia. Triptal de Teatro de São Paulo, neste Porto Alegre Em Cena de 2011. E me deu saudade. Em 2008, o grupo do qual faço parte atualmente como ator e produtor, a Cia. De Teatro Gato&Sapato, montou seu primeiro espetáculo que foi, justamente, Dois Perdidos Numa Noite Suja, tendo sido esse também meu trabalho de conclusão no Curso de Bacharelado em Teatro da UFRGS. O que mais me encanta nesse texto é a forma crua e visceral como o autor coloca dois homens de personalidades completamente diferentes vivendo num mesmo quarto de pensão e trabalhando no mesmo mercado como carregadores. E também me encanta o que esses personagens escondem um do outro e até de si próprios. Pois, a montagem dirigida por André Garolli poupa no cenário, no figurino e nos acessórios cênicos para colocar o texto em primeiro lugar, dissecando-o e revelando esses “segredos” dos personagens ao público, através das impecáveis interpretações dos atores Igor Kovalewski (como Tonho) e Renaldo Taunay (como Paco).

Outro momento em que senti saudade foi recordar que já havia assistido a uma maravilhosa montagem da Cia. Triptal para um texto de Eugène O’Neill, intitulada Zona de Guerra, que participou de uma versão anterior do Porto Alegre Em Cena. Pois foi justamente uma cena dessa montagem que sugeriu a forma de conduzir o final da nossa encenação de Dois Perdidos Numa Noite Suja, naquele mesmo ano. Havia uma rápida passagem em Homens ao Mar que mostrava um marinheiro arrancando o coração de outro, de uma forma simples e eficiente, e, por isso, extremamente poética, teatral. Fizemos algo parecido em nosso primeiro espetáculo, na cena em que Tonho atira em Paco, no final da peça, revelando o afeto escondido entre os dois personagens. E, durante todo o tempo de Dois Perdidos Numa Noite Suja da Cia. Triptal, eu me lembrava, com muitas saudades, de cada cena, cada fala, cada olhar que eu e meu querido colega de cena, Patrick Peres, executávamos ao jogar com os personagens de Plínio Marcos.

Eu interpretava Paco, um sujeito malandro, que só quer saber de se dar bem na vida, e de ser respeitado como um sujeito perigoso por todos (a partir do segundo ato), e que também é misterioso, escondendo o jogo várias vezes sobre diversas coisas. Eu o fiz de uma forma mais sinuosa, maliciosa, oportunista e mesquinha. Renaldo Taunay interpretou-o de forma leve, quase infantil e doce, com uma maldade de criança, na qual a humanidade e a pureza do personagem prevaleceram aos instintos de sobrevivência. O meu Paco não mostrava seus sentimentos; o de Taunay mostrava. O Tonho de Igor Kovalevski, da mesma forma, deixava-se verbalizar seus sentimentos de forma extremamente lúcida e coerente, mostrando um interiorano de boa família, que não se adéqua àquele modo de vida, àquele quarto sujo e fedorento; já o Tonho de Patrick Peres, meu colega, não sentia o fedor do quarto, pois estava acostumado com ele, era parte dele, estava inserido naquele mundo até à raiz dos cabelos e não tinha consciência de como sair daquela situação.

De um modo geral, os personagens de Plínio Marcos foram entendidos pela Cia. Triptal de Teatro em suas formas humanas, tendo consciência do mundo em que vivem, conseguindo, por vezes, até mesmo verbalizar seus sentimentos. Já o meu grupo, a Cia. De Teatro Gato&Sapato, entende os mesmos personagens em suas formas animalescas, agindo por instintos, sem qualquer consciência ou distanciamento de seus mundos, pois encontram-se inebriados deles, numa bola de neve que nunca pára de rolar, e que só aumenta, até explodir, causando as consequências extremas comuns a quase todas as peças de Plínio Marcos. E é este o grande jogo do teatro: as inúmeras possibilidades de interpretação de uma mesma obra, as múltiplas visões que essa arte pode dar às tramas e aos personagens a serem colocados no palco. Não existe certo ou errado. Só existe o diferente! Parabéns a Cia. Triptal pela belíssima montagem, e muito obrigado pelos momentos prazerosos que proporcionaram a esse ator, saudoso de interpretar o instigante texto de Plínio Marcos.

SELEÇÃO DE ELENCO MASCULINO PARA "Docemente Pornográficos"

2011-07-14T21:40:00.001-03:00

A Cia. de Teatro Gato&Sapato seleciona elenco MASCULINO para o seu mais novo espetáculo

Docemente Pornográficos

Atores com qualquer experiência artística e disponibilidade de horários para ensaios às segundas e terças à noite nos meses de agosto, outubro, novembro e dezembro (mais outro dia a combinar) com temporadas a confirmar em janeiro e maio de 2012, enviem, ATÉ O DIA 22 DE JULHO, currículo e foto de rosto e de corpo para o e-mail teatro.gatoesapato@gmail.com

Os pré-selecionados receberão e-mail confirmando data e local da audição.

Maiores Informações:

Douglas Carvalho

Ator e Produtor

Fone: (51) 9685.2787 / (51) 8450.2415

E-mail: carvalho.douglas@gmail.com

MSN: douglascar@hotmail.com

Dois de Paus: um espetáculo necessário

2011-05-02T18:11:00.004-03:00

Recentemente, assisti a uma montagem gaúcha do texto “Dois de Paus”, do brasiliense Arthur Tadeu Curado. Tive a oportunidade de ver esse mesmo texto sendo encenado pelo próprio autor no Palco Giratório do SESC, em 2006. O que me impressionou na montagem foi o ótimo trabalho de caracterização dos atores, visto que o mesmo grupo havia apresentado no dia anterior uma adaptação da peça “Dois Perdidos Numa Noite Suja”, de Plínio Marcos, com o mesmo elenco e a mesma direção, e, no entanto, os trabalhos resultaram em espetáculos completamente diferentes. Enquanto “Dois Perdidos” apresentava dois homens rudes vivendo à força no mesmo quarto da periferia de uma cidade, com uma tensão sexual entre os dois sempre presente, mas nunca exteriorizada; “Dois de Paus” apresentava um casal assumidamente gay, levemente afeminado, mostrando a tensão de um relacionamento, com seus altos e baixos, em um apartamento provavelmente localizado em algum bairro nobre de uma cidade grande. É inevitável que aqui eu faça comparações entre a montagem brasiliense e a atual gaúcha, visto tratar-se do mesmo texto, embora o resultado de uma e de outra em nada de assemelhem, e talvez nem sejam comparáveis.

A atual montagem gaúcha do texto “Dois de Paus”, dirigida por Paulo Guerra, traz dois homens, nada afeminados, em um quarto, em uma sala, em um bar, em um motel, em um chat na internet, enfim, inúmeros locais podem ser vistos pelo público com a inteligente utilização de duas traves metálicas e quatro blocos de madeira vazados. Com relação à luz, enquanto o branco predominava na montagem brasiliense, mostrando cruamente, com excesso de luz, o relacionamento do casal (o que por vezes chocava uma plateia não acostumada com uma peça teatral homoafetiva), aqui o preto se sobressai, dando lugar a uma quase permanente penumbra, o que torna o espetáculo menos agressivo, mais doce e, por isso, mais tocante. A trilha sonora é leve, pontuando certos momentos fundamentais da história. E a dramaturgia de Curado foi sabiamente adaptada por Guerra, tirando os excessos e aprofundando as partes realmente importantes.

A intenção de chocar da montagem brasiliense fica mais evidente ao colocar em plena boca de cena um ardente beijo entre os dois atores da montagem, que desempenharam trabalhos excelentes de atuação, embora tenham feito um estereótipo, mesmo que de forma realista e verdadeira. Na montagem gaúcha, o que se vê é um beijo “politicamente correto” no meio do palco entre dois homens cuja sexualidade não pode ser definida à primeira vista. Guilherme Ferrêra demonstra muita concentração e segurança no palco, tem movimentos limpos e precisos e um olhar bem focado e expressivo. Dionatan Rosa tem uma energia ótima em cena, é extremamente carismático e estabelece uma empatia com o público do início ao fim do espetáculo, deixando o público dividido na última cena da peça.

A direção de Paulo Guerra está na medida certa, preocupando-se em mostrar com profundidade os detalhes mais importantes do relacionamento de Júlio e Alex, que poderiam ser Pedro e Isabel, Ricardo e Patrícia, Adriana e Teresa, enfim, qualquer relacionamento afetivo entre duas pessoas que se amam. E é aí, que Paulo Guerra acerta em cheio! Há um extremo cuidado em sua direção ao apresentar essa relação homoafetiva. Não há qualquer intenção de chocar ou levantar bandeiras. Apenas há a intenção de mostrar um relacionamento entre duas pessoas que se amam e que querem construir uma vida juntos, como qualquer casal. E, dessa forma, Guerra passa a ser muito mais ousado que a direção da outra montagem, expondo a todos o óbvio que muitas pessoas não querem enxergar. Surpreendentemente, na montagem brasiliense, a cena de sexo entre os dois personagens acontecia atrás de um sofá. Aqui ela acontece aos olhos do público, apenas com um lençol cobrindo os corpos nus, de forma que a cena, que poderia ser chocante, acaba ficando doce e esteticamente bonita e sensual, mesmo sendo mais ousada.

Sabemos que, hoje em dia, o preconceito contra homossexuais ainda é grande, apesar de toda a política que vem sendo feita, e o grupo SOMOS, apoiador do espetáculo, vem contribuindo muito na luta em combate à homofobia, entre outras ações voltadas ao grupo LGBT (Lésbicas, Gays, Bissexuais e Transgêneros), aumentando sua visibilidade e diminuindo o preconceito. Espetáculos como “Dois de Paus” também vêm a contribuir com a diminuição do preconceito, ao mostrar de forma tão natural, algo que ainda é repudiado por muitas pessoas. E a Sala Carlos Carvalho tem lotado todas as suas sessões de “Dois de Paus”. E espero que esse espetáculo, tão necessário a uma cidade que já abrigou duas Paradas Livres em um mesmo ano, esteja sempre em cartaz, lotando as salas na qual estiver em cartaz, para que mais gente veja o quão natural é uma relação de dois homens que se amam, tendo as mesmas preocupações, os mesmos desejos, alegrias e tristezas, saúdes e doenças de um casal heterossexual padrão. A montagem da Companhia Halarde de Teatro mostra que um casal gay também pode fazer parte do padrão, mesmo que fuja dele.

CALE-SE - Edição Especial - Gravação do DVD

2011-03-12T13:33:00.002-03:00

20 de março - 20 horas - Teatro de Arena - R$ 10,00

Sinopse:

Espetáculo musical que apresenta músicas brasileiras que foram proibidas de serem veiculadas parcial ou integralmente pelo Departamento de Censura Federal na época do governo militar no Brasil. Músicas de diversos compositores brasileiros serão executadas por músicos de qualidade, resgatando a memória da suspensão à liberdade artística dos anos de chumbo.

O espetáculo é fruto de uma extensa pesquisa de Douglas Carvalho que começou pelos cortes feitos pela censura federal a textos teatrais que estão arquivados no Espaço Sonia Duro do Teatro de Arena. Resgatando a importância que a casa possui para o cenário musical local, desde as Rodas de Som nos anos setenta, a pesquisa partiu, então, para o campo musical e resultou nesse espetáculo, a primeira incursão da Cia. De Teatro Gato&Sapato no campo da música.

Ficha Técnica:

Intérpretes: Cláudia Barbot, Douglas Carvalho e Lílian Roisenberg. Direção Musical: Julian Eilert e Caoan Goulart Direção Cênica: Leandro Ribeiro Músico Convidado: Gustavo dos Santos Iluminação: Wagner Duarte Produção e Realização: Cia de Teatro Gato&Sapato

Duração: 90 minutos Faixa Etária Mínima: Livre

Contato com a produção: Douglas Carvalho – (51) 9685.2787 / 8450.2415

Vida de artista não é fácil

2011-02-15T23:29:00.001-02:00

Quem diz que a vida do artista é fácil, definitivamente não sabe o que diz. Acordar cedo para ensaiar, para gravar. Ter de conciliar ensaios e apresentações com seu emprego “caretinha” (porque, infelizmente são poucos os artistas que vivem só de arte). Quase perder o emprego por conta disso. Ou ter de estar sempre procurando desesperadamente por trabalho para que, juntando os cachês, dê para pagar as contas mensais. É um trabalhinho aqui, uma substituição ali, uma madrugada sem dormir, finais de semana focados no evento, verão sem praia. Férias é uma palavra que poucos artistas conhecem. Soma-se a isso a exigência da profissão. Aprimoramento técnico constante: aulas, oficinas, seminários. E o mais difícil de tudo: artista trabalha com coisas subjetivas. Inspiração, emoção, sentimento são matérias-primas do nosso trabalho. O desgaste físico e emocional de um artista está sempre em níveis elevados.

Isso é tudo muito bem retratado no filme Cisne Negro, que está dando o que falar. Não vou comentar tecnicamente, até por cinema não é a minha área artística de formação. Só posso dizer que Natalie Portmann está perfeita e isso casa muito bem com o próprio tema do filme, que discute justamente as adversidades por que um artista passa em seu ofício. No entanto, não posso deixar de criticar uma coisa. Não é apresentado no filme o prazer que o artista sente ao exercer seu trabalho. Todas as adversidades que citei acima são recompensadas por causa dele. Da mesma forma que a nossa matéria-prima para a criação é subjetiva, a satisfação que a arte nos dá também o é. Não há como explicar o prazer de subir ao palco (ou entrar num estúdio ou atelier, dependendo da arte) e fazer aquilo para que nascemos. E quando isso vem acompanhado do reconhecimento do público, o prazer é ainda maior. O artista não é nada sem o seu público. É na relação que estabelecemos com ele que se dá a verdadeira arte.

Como sabem, sou ator de teatro. No entanto, há alguns meses, venho criando um show musical chamado CALE-SE – As Músicas Censuradas Pela Ditadura Militar. Como o próprio nome diz, o espetáculo traz músicas que foram proibidas na época do governo militar, apresentando os motivos da Censura Federal para o veto das canções, bem como seu funcionamento e curiosidades do período, criando um diálogo bem interessante entre teatro e música. A primeira apresentação desse espetáculo foi em 16 de dezembro de 2010, no Teatro de Arena, com casa lotada. Decidi, então, colocar o projeto no Porto Verão Alegre deste ano de 2011. Pouquíssimos ensaios, horas vagas dedicadas à divulgação do evento, pouca grana para produzir, e até esse fator se soma ao estresse do artista: infelizmente, muitos colegas de profissão se auto-produzem, visto que a figura do produtor cultural ainda não se faz presente em número satisfatório, pelo menos em Porto Alegre. E como se não bastasse, problemas técnicos ainda aconteceram no último dia do evento nessa temporada, fazendo com que nossa apresentação acontecesse em uma versão desplugada, ou seja, totalmente na força do gogó.

Tudo isso para quê? Por que nos esforçamos tanto? E para quem? Muitos irão dizer que o que o artista quer é emocionar o público (ou pelo menos causar alguma sensação nele). Eu também acho que essa é a missão do artista. Mas e quando acontece o contrário? E quando o público é quem nos emociona? Na hora dos problemas, no meio do show, o público foi extremamente compreensivo e, em vez de deixar o teatro e pedir o valor do ingresso de volta, nos incentivou a continuar, mesmo sem aparelhagem técnica. E a emoção rolou solta. Em uma das músicas interpretadas por minha colega, a platéia cantou em coro, fazendo com que eu tivesse de me segurar para não chorar, pois ainda tinha de cantar mais uma música. No entanto, executei a canção com a voz embargada pela emoção. Ao final, o público aplaudiu efusivamente de pé, quase imploraram pelo bis (duas vezes), deixando todos os artistas desse show emocionados. Não há como explicar a magia dessa relação do artista com seu público. É subjetivo. E nos dá um prazer e uma satisfação que não se pode medir em cachês ou estresses. Só o que posso dizer é que lava nossa alma e nos faz continuar nessa profissão ingrata, porém extremamente prazerosa ao mesmo tempo. É pelo público que o artista persiste em realizar seu ofício, não só para emocioná-lo, mas para também se emocionar com ele. E assim, a arte realiza sua principal função: transformar. Não apenas o público, mas também os artistas que trabalham por ela.

CALE-SE - as músicas censuradas pela ditadura militar

2010-12-06T00:17:00.003-02:00

16 de dezembro, 20h

Teatro de Arena

Entrada Franca

Sinopse:

Ficha Técnica:

Intérpretes: Cláudia Barbot, Douglas Carvalho e Lílian Roisenberg.

Direção Musical: Julian Eilert e Caoan Goulart

Direção Cênica: Leandro Ribeiro

Iluminação: Wagner Duarte

Produção e Realização: Cia de Teatro Gato&Sapato

IMPERDÍVEL!!!

2010-11-10T10:54:00.000-02:00

Nas Profundezas do Bosque

2010-10-20T19:07:00.003-02:00

Dias 27 de outubro, 03, 10 e 17 de novembro, 20h

Teatro de Câmara Túlio Piva (Rua da República, 575 – Cidade Baixa)

Entrada Franca

SINOPSE:

Duas crianças resolvem se aventurar na floresta em busca do desconhecido, numa região onde todos os animais desapareceram há muitos anos.

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia: Fabiano Oliveira, livremente inspirada na obra De repente, nas profundezas do bosque, de Amós Oz

Direção: Fabiano Oliveira

Elenco: Fabrízio Gorziza, Larrisa Tavares, Mari Freitas e Juliano Canal.

Figurinos: Patrick Peres

Trilha Sonora: Bernardo Fleck

Iluminação: Fabiano Oliveira

Cenário: Elton Manganelli

Material Gráfico: Mateus Winkelmann

Fotos: Janaína Moraes Franco

Produção: Douglas Carvalho e Leandro Ribeiro

E em Novembro, a Cia. de Teatro Gato&Sapato volta em cartaz com A AURORA DA MINHA VIDA! Aguardem!

Meus Desejos para 2010!!!

2010-02-08T01:12:00.002-02:00

Broadway Musical Theater no TEPA

2010-01-20T13:25:00.008-02:00

Olha eu aí em cima pagando de gangster com minha linda amiga Márjori Moreira!!! Pois então, vai rolar outra oficina maravilhosa de teatro musical, no melhor estilo da Broadway. Cíntia Ferrer (a diva loira do centro da foto) segue preparando atores para o promissor mercado de musicais no Brasil. Nesta oficina de 4 dias, ela vai ministrar exercícios de interpretação, preparação física aliada ao canto e coreografias dos musicais Chicago, Victor ou Victoria e FOSSE. Além da loira, temos Gisele de Santi, com a parte de canto, preparando a galera com a inovadora técnica vocal dos grandes astros da Broadway, o "Speech Level Singing", que permite cantar enquanto o artista atua, dança e sapateia em cena. Falando em sapatear, Leonardo Dias, vai passar algumas técnicas próprias desse estilo de dança, colocando todos no ritmo vibrante do Sapateado Americano. Venha se divertir e aprimorar suas técnicas com essa galera!!!

Broadway Musical Theater

Dias 25, 26, 27 e 28 de janeiro

Das 16h30 às 19h

No TEPA (Av. Cristóvão Colombo, 400)

Informações: (51) 8449-1523

Visitem o blog da loira e acompanhe as próximas oficinas: http://pinupproducoes.blogspot.com/

Abrindo o 11º Porto Verão Alegre...

2010-01-03T18:55:00.001-02:00

Pra abrir o Porto Verão Alegre 2010, no Teatro de Câmara Túlio Piva, a Cia. de Teatro Gato & Sapato apresenta:

A Aurora da Minha Vida

De: Naum Alves de Souza.

Com: Douglas Carvalho, Gabriel Aquino, Igor Ramos, Ketty Cardozo, Marelize Obregon, Márjori Moreira, Mari Freitas e William Molina.

Direção: Leandro Ribeiro.

Ingressos:
Antecipados
R$15,00
R$12,00 (para titular do Clube do Assinante e um acompanhante)
R$ 10,00 (idosos)
Nos teatros, os bilhetes custam, respectivamente: R$ 20,00, R$ 16,00 e R$ 10,00. Para estudantes, os ingressos são vendidos somente na bilheteria dos teatros a R$ 10,00 (terça, quarta e quinta) e R$ 16,00 (sexta, sábado e domingo).

Pontos de venda:
- Loja 114 da Praça de Alimentação do Prédio C do DC Shopping;
- Shopping Praia de Belas
- Lojas Multisom dos Shoppings Moinhos e BarraShoppingSul e da Andradas;
- Lojas Pé de Meia dos Shoppings Iguatemi e Total

IMPERDÍVEL!!!

2009-11-18T08:45:00.000-02:00

And The Rocks Keep Rolling...

2009-11-10T11:38:00.001-02:00

Feira do Livro acabando, uma novo espetáculo teatral estreando... A vida se constrói assim: um ato após o outro. E, conforme as pedras vão rolando, vamos aprendendo com eles. Conservamos o que deu certo, deixamos para trás os erros e seguimos em frente, sempre com a faca na bota e o bom humor estampado na cara. Com o tempo, passamos a lapidar as pedras da vida e transformá-las em diamantes. Quem vive de arte possui essa fantástica capacidade de se renovar a cada instante, de se reinventar, de se reescrever.

Por isso, visite a 55ª Feira do Livro de Porto Alegre que está quase acabando e sintam-se todos convidados a assistir a estreia de "A Aurora da Minha Vida", no dia 25 de novembro, 20h, no Teatro de Câmara Túlio Piva, com entrada franca, integrando o projeto Novas Caras da Secretaria Municipal de Cultura.

E as pedras seguem rolando...

O Avarento

2009-08-28T17:17:00.004-03:00

Que dizer de um espetáculo belíssimo, com atores maravilhosos, figurinos deslumbrantes, direção precisa e texto supremo? Nada! Diria que a montagem de O Avarento, em cartaz no Teatro de Câmara Túlio Piva, de 14/08 a 06/09 (sextas e sábados, 21h e domingos 20h) está no limiar da perfeição. Se não chega à perfeição é porque leva em conta aquele ditado que diz: "Se melhorar, estraga!". No teatro, nunca um espetáculo é igual ao outro, pois a reação do público influencia diretamente na execução da peça, contribuindo (ou não) para seu andamento. Portanto, se o espetáculo de Gilberto Fonseca em questão fosse perfeito, se tornaria chato.

No entanto, o que se vê no palco é o resultado merecido de dois anos de trabalho e pesquisa sobre esse maravilhoso texto de Molière. Além disso, vê-se com clareza que o patrocínio da Petrobrás, conquistado através de premiação da FUNARTE foi devidamente investido, fazendo com que esse dinheiro retorne em espetáculos de altíssima qualidade, enriquecendo a cultura do Brasil.

Gilberto Fonseca e o Grupo Farsa claramente fazem as suas próprias (e respeitosíssimas) interpretações da obra de Molière, dando um sopro de atualidade que aproxima o texto do espectador. Texto aqui num sentido mais geral, significando tudo aquilo que está entre o artista e o público no momento da representação. A história, os quiproquós, os personagens, entre outros aspectos "textuais" da montagem foram tão aprofundados que alcançam o público de forma certeira, tornando popular uma linguagem rebuscada como a de Molière. E tudo isso é claramente apresentado ao público através da mais que competente direção de Gilberto Fonseca, mostrando que sabe muito bem como dominar os mecanismos de uma boa mise-en-scène.

Destaco o recurso do teatro musical usado para intensificar a dramaticidade de algumas cenas, sem deixar que caia no melodrama, mantendo coerente a linguagem do espetáculo. Esse recurso foi bem utilizado na medida em que dá a dose certa de "dramalhão" que a peça precisa. Percebe-se, na direção de Gilberto Fonseca, que ele deixa o espetáculo no nível exato em que ele quer, nem mais, nem menos. No entanto, acredito que não faria mal ao espetáculo mais momentos como esses.

Outro recurso que chama a atenção em O Avarento é o fato de os atores estarem sempre em cena, ressaltando o ofício do ator, desfazendo a ilusão do personagem propositadamente, aumentando, dessa forma, o reconhecimento do trabalho deste grande elenco. Pode-se ver claramente a alteração do tônus corporal dos atores quando entram no tapete central ou saem dele. Inspirado no teatro de Peter Brook, esse recurso traz de volta o sentido ritualístico do teatro, de um acordo que se estabelece com a plateia. E o acordo que o Grupo Farsa faz com seu público é: "Vamos nos divertir!"

Quanto aos atores, só o que tenho a dizer é que sinto-me profundamente orgulhoso por ter como colegas de profissão esse elenco de peso. Ariane Guerra, Daiane Oliveira, Elison Couto, João Pedro Madureira, Lucas Krug, Lúcinha Bendati, Marcos Chaves e Zé Mário Storino (assim classificados em ordem alfabética, pois não saberia colocá-los em ordem de importância) formam um elenco extremamente coeso e afinado (inclusive musicalmente), mostrando um alto poder de concentração e contracenação. A facilidade para cair no caricato que o texto proporciona não pegou o elenco de forma alguma. Os personagens são profundos ao mesmo tempo em que são risíveis, mostrando que essa contradição, na prática, não existe.

Acrescentando-se a tudo o que foi dito, tem-se os belíssimos figurinos de Daniel Lion, a certeira trilha sonora de Marcos Chaves e o cenário lindo e eficiente de Gilberto Fonseca e Lucas Krug, que dispensariam os versos da música de abertura e final da peça: "Gostando da nossa peça, aplaudam no final!"

Workshop Broadway

2009-08-20T21:17:00.003-03:00

Nesse final de semana, fiquei conhecendo a técnica do maravilhoso Bob Fosse em um workshop sobre musicais da Broadway. A experiência foi transformadora. Além de divertido, cantar e dançar ao mesmo tempo é um desafio para qualquer ser humano. Com a presença de Cíntia Ferrer, Gisele de Santi e Patrícia Soso, o workshop trabalhou técnicas de dança no estilo Bob Fosse (coreógrafo de grandes musicais como All That Jazz, Sweet Charity, The Pajama Game, entre outros), bem como a técnica de canto revolucionária chamada Speech Level Singing, desenvolvida por Seth Riggs. Além disso, o grupo também nos passou um pouco da sua pesquisa em torno de exercícios teatrais voltados para o teatro musical. É a sensação que já pegou em São Paulo e agora está sendo encabeçada pelo Grupo Goela na capital gaúcha. Essa galera vai dar o que falar...

Acima, Bob Fosse. Abaixo, Seth Riggs. Por trás de tudo: Cíntia Ferrer, Gisele de Santi e Patrícia Soso.

Crepúsculo

2009-08-20T21:08:00.003-03:00

Pode ser mais uma série ultra-comercial como Harry Potter ou O Senhor dos Anéis, mas eu adorei o filme e estou lendo o livro. Espero ansioso pela continuação Lua Nova, bem como quero ler toda a série, como todo bom fã!!! Sempre gostei de histórias sobre vampiros, é um dos mitos que mais me atrai. Há os vampiros bestiais de Drink no Inferno e 30 Dias de Noite, assim como os sedutores de Entrevista com o Vampiro e O Drácula de Bram Stoker. Acho que esse filme, seria mais próximo dos seriados Buffy, a Caça Vampiros e Angel, que mistura um romance entre jovens e o cruel, porém sedutor fado de ser imortal. Monstruosamente imortal...

Por toda minha vida...

2009-07-22T23:39:00.000-03:00

"Eu sei que vou te amar
Por toda a minha vida eu vou te amar
Em cada despedida eu vou te amar
Desesperadamente, eu sei que vou te amar

E cada verso meu será
Prá te dizer que eu sei que vou te amar
Por toda minha vida

Eu sei que vou chorar
A cada ausência tua eu vou chorar
Mas cada volta tua há de apagar
O que esta ausência tua me causou

Eu sei que vou sofrer a eterna desventura de viver
A espera de viver ao lado teu
Por toda a minha vida"

Experimento Nelson II

2009-06-19T16:39:00.012-03:00

Está em cartaz, desde o início do mês, o espetáculo Experimento Nelson II, no projeto Teatro, Pesquisa e Extensão da UFRGS. O espetáculo é composto por trechos das peças Dorotéia, Vestido de Noiva e Beijo No Asfalto, de Nelson Rodrigues, e é resultado da disciplina de Atuação II e feito por alunos do Departamento de Arte Dramática, no segundo semestre de 2008, que agora volta em cartaz como um espetáculo teatral aberto ao público, na Sala Qorpo Santo, sempre as quartas-feiras, em duas sessões, 12h30min e 19h30min, com entrada franca.

Pois bem, eu fui convidado pelo grupo para fazer uma substituição no trecho Beijo No Asfalto, já que um dos atores não poderia realizar a temporada. Confesso que, quando decidi fazer teatro, tinha dois sonhos: o de interpretar Nelson Rodrigues e William Shakespeare. Um desses sonhos já está sendo realizado. Shakespeare são outros quinhentos; mas, quem sabe daqui a alguns anos? Afinal, fui receber esse convite para fazer Nelson depois de formado...

Fiquei com um dos personagens mais difíceis de Nelson Rodrigues: o Arandir. Jovem recém-casado, mas com atitudes ambíguas, Arandir acaba ficando tão atormentado com as fofocas e calúnias em torno do ato que cometeu que nem ele próprio sabe o que realmente fez. Além disso, as peças do dramaturgo já são muito difíceis de se realizar. Seus textos possuem uma densidade muito grande, combinada com a complexidade de seus personagens. E o curioso é que muitos cursos de formação de atores, ou mesmo oficinas de montagem, ministrada para uma maioria de iniciantes na arte teatral, utilize os textos do célebre dramaturgo carioca para exercitar os alunos no palco. Obviamente, penso que o ator está em constante formação, ou seja, sempre tem algo para aprender a cada trabalho novo que realiza. E, senti isso na pele ao interpretar Arandir, de Beijo No Asfalto.

Por estar substituindo um dos atores originais da cena, não tive a oportunidade de pesquisar nem mesmo o mínimo para fazer o espetáculo e dar a ele a carga dramática necessária, como os outros atores tiveram, visto que, para eles, foi um exercício realizado durante um semestre inteiro. No palco, estava me sentindo estranho: não tinha o que buscar corporalmente do personagem, pois não tinha sequer pesquisado qualquer coisa que pudesse retomar nas apresentações. Havia apenas decorado o texto e criado algumas marcações interessantes, mas o conteúdo da interpretação estava (e ainda está) muito frágil. Minha atuação está calcada nas ações que o personagem realiza durante a cena, mas queria, de qualquer forma, buscar um estado psico-físico coerente com o meu entendimento sobre o personagem.

Na última apresentação, antes do início do espetáculo, comecei um processo intenso de concentração. Acabei realizando minha pesquisa nos bastidores da Sala Qorpo Santo, testando movimentos e entonações que fizessem sentido para mim e pudesse dar uma veracidade maior para o personagem. E o espetáculo fluiu bem. Senti-me mais verdadeiro e competente no palco. Para mim, um ator formado, era quase uma “questão de honra”, ser, ao menos, eficiente em cena e mostrar algo interessante ao público. Ao final, conversando com a iluminadora do espetáculo e também colega de formatura e amiga, Mariana Terra, ela me disse algo que fez muito sentido e que ainda não havia me dado conta.

Ela me disse primeiramente que eu estava sendo exigente demais com meu trabalho. Falou também que havia lido uma biografia do saudoso mestre Paulo Autran na qual ele comenta sobre a técnica básica do ator. Após alguns anos de experiência, o ator não precisa fazer muito para ser bom em cena. Ele já possui de antemão, através do treinamento que recebeu ao longo da carreira artística, competências construídas que o tornam eficiente no palco, em qualquer situação, mesmo que o personagem ainda não esteja suficientemente definido, entre outras coisas. Não quero, é lógico, comparar-me a Paulo Autran, mas a própria Mariana me disse que é notória, no palco, a diferença entre um ator iniciante e um ator com experiência. E isso se vê em mim: por mais que não houvesse pesquisado o personagem, ou ainda não tivesse dado toda a carga dramática necessária para um texto de Nelson, era visto que meu trabalho é eficiente, por causa da técnica que construí ao longo dos meus 5 anos de carreira.

Bem, esse espetáculo está sendo um grande aprendizado para mim, pois estou tendo de, em pouco tempo, construir um personagem profundo e complexo como Arandir, trabalhando com pessoas que nunca havia tido a oportunidade de contracenar. Logicamente, a presença da técnica básica para uma atuação eficiente, não me tira a responsabilidade com o público teatral de continuar pesquisando até o final da temporada e aprimorar cada vez mais o meu trabalho. Fica, então, o convite:

Experimento Nelson II

Todas as Quartas de Junho

12h30min e 19h30min

Sala Qorpo Santo (Campus Central UFRGS)

Entrada Franca!!!

Cida Moreira em Canções para Cortar os Pulsos III

2009-05-19T14:27:00.001-03:00

Ainda sinto-me nas nuvens quando penso que sábado assisti a um dos melhores shows musicais da minha vida! Um piano, um conhaque, algumas rosas, Arthur de Faria, iluminação e sonorização perfeitos e ela: CIDA MOREIRA!!!

Uma das maiores intérpretes do Brasil veio a Porto Alegre nos dias 15, 16 e 17 de Maio, no Instituto Cultural Brasileiro-Norte-Americano, nos presentear com suas magníficas interpretações num recital de piano e voz intitulado “Canções para Cortar os Pulsos III”. Como a própria Cida explicou, ela não canta nada que não a faça “cortar os pulsos”. Disse que precisa de emoção para cantar e, indubitavelmente, isso se reflete em sua voz que nos leva do riso às lágrimas como num passe de mágica. Pois a voz de Cida Moreira é mágica. Na música que cantou em parceria com Arthur de Faria, músico convidado do show, Cida emitiu um agudo que quase me fez levantar da cadeira.

E, assim, Cida vai brincando com sua voz e brincando com nossas emoções, misturando voz cantada com voz falada, gritos rasgados com suspiros límpidos, canto popular com jazzístico e até lírico, ultrapassando as fronteiras da extensão vocal, mostrando a infinidade da gama de emoções que a voz humana tem para oferecer. Sem dúvida, ouvir Cida Moreira é ter uma aula de como expressar emoções verdadeiras através da voz. E chamar Cida de cantora é menosprezar o seu riquíssimo trabalho interpretativo construído através de seus longos anos de carreira. Cida sabe dominar o palco mesmo sentada ao piano sem mover nada mais que seus dedos, seu diafragma e seu aparelho fonador. Ao fechar os olhos, parece que ela está no auge da interpretação, exaurindo-se fisicamente. Mas ao abrir os olhos, ela está lá, sentada ao piano, movendo o mínimo de músculos, expressando o máximo de sentimentos.

O repertório de Cida é composto principalmente por trechos de musicais, árias de óperas contemporâneas e canções que, mesmo sem serem necessariamente compostas para fins cênicos, possuem uma força dramática muito forte e que Cida consegue extrair tudo delas, enxugando até a última gota de dramaticidade, honrando o título do show, sem nos deixar qualquer outra possibilidade a não ser nos emocionar. O olhar cúmplice com o público, a segurança, a emoção à flor da pele, o dizer que não vai cantar e acabar cantando, a improvisação, o choro, entre outras coisas mostradas no show faz de Canções para Cortar os Pulsos III uma experiência dramático-musical sublime, mostrando inexistir barreiras entre a Música e o Teatro, elevando a Arte acima de qualquer dissidência ou barreira, exaltando a excelência do trabalho do artista que se entrega à sua Arte, conduzindo o público a um estado catártico, deixando a Arte cumprir o seu papel.

Cida revela no meio do show que preferiu não cantar mais trechos das peças de Brecht, compostas pelo maravilhoso Kurt Weil. Mas mesmo que Cida não cante mais Kurt Weil para não cair no discurso político ou irônico, mesmo que não cante mais Beatriz, por já ter esgotado suas emoções em relação a ela, não tendo mais o que oferecer a não ser repetí-las, a poesia das canções ainda permanece e a entrega verdadeira do artista é o que transparece nesse show de Cida Moreira. É isso que interessa a ela no momento, e é disso que o mundo precisa: mais poesia! Mesmo sem querer ser política, Cida acaba sendo, pois inconscientemente sabe exatamente do que o mundo precisa atualmente e nos entrega, inteiramente, através de sua Arte!

As duas horas do show, parecem dois minutos apenas. Poderia viver uma vida escutando Cida Moreira. Um bis também é muito pouco. Já conhecia a sua versão para “Summertime”, com a interpretação forte e marcante, recheada de gritos que me emocionam muitíssimo cada vez que ouço. Porém, como uma marca presente durante todo o seu show, Cida improvisa, tamanho é o domínio de sua Arte, e nos deixa ir para casa com uma versão lullaby, quase uma canção de ninar de “Summertime”, lembrando sempre que a humanidade precisa de poesia. E nós precisamos de Cida Moreira. Sempre!

Richard Serraria e Vanessa Longoni

2009-05-19T13:04:00.003-03:00

Tenho vivido uma fase bastante musical, devido ao meu atual trabalho na área administrativa do Teatro de Arena de Porto Alegre/RS. Nesse teatro, atualmente há uma onda de músicos locais se apresentando com composições próprias, mostrando a riqueza e a excelência da música gaúcha. No final do mês passado, conheci o trabalho de dois grandes músicos de Porto Alegre, os quais já tinha ouvido falar, mas ainda não havia tido a oportunidade de conhecer. Eles são Vanessa Longoni e Richard Serraria. Em parceria, eles ocuparam os dias 24 e 25 de abril no Teatro de Arena, quase lotando a casa e mostrando seu belíssimo trabalho.

A intérprete Vanessa Longoni veio com seu show “Realidade Paralela” em parceria com a banda Terratrônix. Atual vencedora do Prêmio Açorianos de Música de Melhor Intérprete, Vanessa Longoni honra seu mérito mostrando o êxtase de sua interpretação em cada canção. Sua voz passeia por diferentes notas, letras, idiomas e ritmos, agregando-se aos misteriosos sons emitidos pela banda Terratrônix, com sua proposta inovadora de arranjos musicais. Já faz quase um mês que vi o seu show e ainda não me sai da cabeça a sua versão de “Arrastão”.

Richard Serraria mostra seu antigo (“Vila Brasil”) e seu novo (“Pampa Esquema Novo”) trabalhos. As composições de Serraria são um caldeirão musical com múltiplas influências. Desde o rock, passando pelo hip-hop, MPB, reggae e indo até aos ritmos gauchescos como a milonga e a vaneira. Assim como a maioria das pessoas dizem que a mistura entre as raças é o que faz dos brasileiros um dos povos mais bonitos e resistentes do mundo, a música de Serraria, com toda essa mistura, só exala poesia e energia. Um trabalho diferente, autoral e inovador, mostrando a excelência da música gaúcha.

Só para terminar: quando esses dois músicos se juntaram foi o auge! Richard Serraria e Vanessa Longoni cantando juntos fizeram-me viajar. Parabéns a vocês e aos integrantes da banda Terratrônix (Marcelo Corsetti, Luke Faro e Ângelo Prímon) e da banda de Serraria (Mateus Kleber, Lucas Kinoshita, Filipe Narcizo Sandro Gravador e, novamente, Corsetti e Prímon), assim como ao músico convidado, Marcelo Delacroix (que nos presenteou com seu trabalho). Parabéns a todos vocês que conseguiram, em apenas dois dias, mostrar o melhor da música local.

Primeiro as Damas: comédia stand-up de qualidade!

2009-05-07T22:00:00.004-03:00

Faz tempo que assisti ao espetáculo “Primeiro as Damas”, show de comédia stand-up com Alex Riegel, Cris Pereira e Lucas Krug. Mas vou postar só agora meu comentário, pois o espetáculo ainda mexe comigo! É o seguinte: Cada ator faz 3 personagens em esquetes que duram cerca de 10 minutos cada uma. Nada mais além do ator, seu figurino e um microfone. E a gente ri muito! Embora o nome do espetáculo seja esse, há apenas um personagem feminino. Explico: os três atores começaram o projeto apresentando personagens femininos em um bar há alguns meses. E o sucesso foi tão grande que o projeto não poderia não virar um espetáculo! E aí ele está! Ao longo dos meses, os personagens femininos foram dando lugar aos masculinos. Na hora de montar um espetáculo, optou-se por deixar os melhores personagens. E maioria deles foi masculino!

Comédia é algo difícil de se fazer. Além de interpretar muito bem um personagem, o ator ainda deve extrair a comicidade dele. E nem sempre isso é fácil. Cris Pereira e Lucas Krug o conseguem. Alex Riegel, apesar de ser um excelente ator, torna seus personagens anti-carismáticos, não contribuindo para a sua comicidade. Consegue dar verdade a eles, tanta verdade que acabamos acreditando que o trambiqueiro Zé Car e o funcionário falcatrua Tinho do Postinho existem realmente e passamos a não gostar deles, pois o mundo já está cheio de trambiqueiros e pessoas desonestas para querermos ver no palco esses vilões e rirmos dele. Talvez o problema não seja do ator, mas, sim, do público que não aguenta mais ver pessoas desonestas se dando bem, já que é só o que vemos exposto na mídia. Mas isso é assunto para outra conversa... Seu primeiro personagem, Siri Lagostelli, no entanto, cativa o público e extrai muitas risadas saudáveis. Com sotaque paulista impecável e corporalidade feminina muito bem construída, Alex Riegel conquista com esse personagem o público desde o início. Porém, é nítida a queda de energia e de atenção do público nos seus dois personagens posteriores.

Aí, vem o Cris Pereira. Jorge da Borracharia, Claudiovaldo Nogueira e Rodsom dos Anjos. Nessa ordem, funcionou. Mas poderia ser outra também. Quem sabe se fosse Rodsom dos Anjos, Jorge da Borracharia e Claudiovaldo Nogueira? Não digo que se deva deixar o melhor por último, até porque todos os personagens de Cris Pereira são fantásticos. Apenas falo nessa ordem, pois foi o que me chamou a atenção. Rodsom dos Anjos é o locutor de rádio com uma voz linda, porém, é feio. Jorge da Borracharia é um rapaz que transborda masculinidade e virilidade, porém é gay, e a graça vem justamente dessa contradição entre o que ele parece e o que ele é, fazendo-nos repensar quem é o homossexual de hoje. Por fim, Claudiovaldo Nogueira é diretor e produtor artístico dos flanelinhas e pedintes de rua. Idéia muito original de Cris Pereira, já que sabe-se que essa galera de rua faz de tudo para ganhar dinheiro. Não é de se admirar que tenham realmente um diretor e produtor artístico por trás delas.

E, por fim, Lucas Krug. Que dizer dele? Simplesmente que ele é um excepcional comediante. Suas entonações e corporalidade sabem dominar o riso da platéia no momento em que ele quer que ela ria. E ele o faz o tempo todo! Frederico Alberto é um nerd não muito distante dos que vemos na rua, no colégio ou na faculdade. Seu Cucar, um velhinho desbocado que mostra as trapalhadas da terceira idade. E Fagundes, um gaudério azarado cujas músicas foram “roubadas” e se tornaram sucesso com outros “profissionais” da música brasileira. Lucas mostra uma energia contagiante no palco, não perde o personagem nem por um segundo e nos têm na mão do início ao fim do seu esquete.

É muito gratificante ver no Rio Grande do Sul artistas competentes que conseguem fazer esse gênero de espetáculo tão difícil que já está tão difundido no eixo Rio-São Paulo. Estão vindo para cá novas vertentes da comédia contemporânea como os stand-up com personagens, stand-up “cara limpa” e espetáculos improvisados (como o “Tá, e aí?”). Espero que o público comece a notar esses artistas e os valorize, pois, de outra forma, eles irão embora do estado em busca do reconhecimento do seu trabalho. Por isso, VÁ AO TEATRO!!! E tenho dito!!!!

A temporada de "Dois Perdidos Numa Noite Suja" foi um sucesso!

2009-05-01T14:11:00.004-03:00

Exatos 30 dias sem escrever! Por que? Estava em cartaz com o espetáculo "Dois Perdidos Numa Noite Suja", meu trabalho de conclusão no DAD/UFRGS que voltou em cartaz nas quartas-feiras do último mês, na Sala Qorpo Santo com entrada franca, no projeto Teatro, Pesquisa e Extensão (o TPE).

O TPE é uma mostra anual dos espetáculos teatrais realizados pelos alunos do Departamento de Arte Dramática da UFRGS. Um espetáculo a cada mês é apresentado ao público que é convidado a preencher uma pesquisa de opinião sempre ao final de cada apresentação, além de participar de um debate após a última apresentação da temporada. Dessa forma, temos o retorno direto da plateia, ficamos sabendo o que ela achou do espetáculo, suas críticas, sugestões e elogios ao espetáculo que sempre fazem com que a qualidade do nosso trabalho cresca.

Confesso que estava um pouco receoso de termos pouco público nas nossas apresentações, devido ao fato de sermos o primeiro grupo da Mostra de 2009. Porém, quase 600 pessoas assistiram a nossa peça nessa temporada. O debate realizado após a última apresentação contou com a participação de João, aluno de Ciências Sociais na UFRGS e Vera Marta Reolon, professora de Psicologia e Educação da FACED e psicanalista de formação. O público participou ativamente do debate, mostrando suas interpretações pessoais acerca da peça. Muito enriquecedor para nós, pois tivemos um retorno grandioso e sincero do nosso trabalho.

Pois bem, e agora? Agora é continuar trabalhando! Estamos negociando os direitos autorais com a família de Plínio Marcos, estamos dando continuidade a companhia de teatro que o diretor tinha em um projeto social no interior, antes de ingressar na UFRGS, além de termos em mente vários projetos futuros que com certeza farão tanto ou mais sucesso que o nosso atual "Dois Perdidos". Aguardem e verão!

Fotos: Bruno Gomes

Mundo Moderno Melhore: Ponha Mais Teatro no Seu Cardápio!

2009-04-02T23:07:00.007-03:00

Estive ausente do blog por bastante tempo. A vida moderna é tão truculenta que nós acabamos por ter de optar por algumas coisas em detrimento de outras. Aconteceram muitas coisas nesses últimos dias. E vou relatar algumas delas aqui.

Dia 27 de Março: Dia Mundial do Teatro. Não fui à manifestação “Acorda, Mônica!” feita em frente a Secretaria de Cultura do Estado do Rio Grande do Sul (a SEDAC). Agora, como estagiário da SEDAC, sinto-me em um fogo cruzado ao pensar sobre o assunto. Por um lado, trabalho para eles com ética profissional e faço de tudo para que o local onde estou trabalhando se desenvolva cada vez mais. Por outro lado, entendo que as reivindicações feitas na manifestação também são para meu próprio benefício como pertencente do teatro gaúcho.

Pois bem, vi e ouvi várias versões da mesma história. Uma manifestação que poderia ocorrer em qualquer esfera governamental, mas segundo os próprios manifestantes, a opção pelo governo Estadual foi feita por ser a mais precária em relação à cultura. Ainda que tardiamente, foi aberto uma possibilidade de diálogo que pode vir a, senão resolver, pelo menos dar visibilidade ao caos da política cultural no estado gaúcho. Em relação às cenas de violência e agressão, infelizmente, é um retrato da vida moderna. Seguranças preocupados em manterem seus empregos acabaram reagindo contra os manifestantes. No mundo em que vivemos, é inadmissível a perda do emprego para certas pessoas. Imagina alguém protestando contra aquele que paga o teu salário? A reação dessa pessoa é a de reproduzir a forma como a sociedade de violência em que vivemos faz com quem vai contra seus pensamentos. Não quero justificar os atos injustificáveis de agressão contra pessoas da classe teatral gaúcha. Só exponho o ponto de vista deles (os seguranças), pois acredito que o problema da violência seja mais profundo do que imaginamos. Falta mais contato direto e respeito com o outro. E é para isso que serve (também) o Teatro.

Um exemplo claro dessa intenção de retomar o contato interpessoal perdido no caos cotidiano pôde ser visto no dia 29 de março na Usina do Gasômetro com a Farra de Teatro, dirigida por Roberto Oliveira e Sandra Possani, da qual participei como ator. Para quem não conhece, a Farra de Teatro é uma performance feita ao ar livre com dezenas de atores, todos de branco (que na nossa cultura simboliza a PAZ), executando cenas aleatoriamente, de acordo com a música que o DJ coloca. Cenas essas que retratam essa falta de contato direto, essa falta de humanidade em muitas pessoas. Na Farra, tentamos recuperar a troca de sentimentos sem o artifício de personagens ou emoções simbolizadas, somente a pessoa do ator se aproximando sinceramente da pessoa do público. Foram 4 horas de corridas, danças, abraços, desabraços, beijos, protestos, xingamentos, recitação de poemas, canto, batismo, choro, gritos, enfim, toda a sorte de emoções reais trabalhadas a fundo e entregues à plateia que aplaudiu efusivamente ao final de tudo.

Após a Farra, houve a Primeira Parada de Teatro do RS. Um desfile lembrando os carnavais fora de época, porém com um objetivo bem claro: trazer o público para mais perto do Teatro. A 1ª Parada de Teatro fez o público da Cidade Baixa e do Bom Fim parar para ver o Teatro Gaúcho passar. Um desfile alegre, com direito a artistas figurinados, carro de som, bateria de escola de samba, panfletos, ìmãs de geladeira, estandartes e até sambas-enredo próprios. A campanha “Ponha Mais Teatro no Seu Cardápio”, apoiada pelo SESC/RS e pela Prefeitura Municipal de Porto Alegre deu início no dia 29 de março durante a Parada de Teatro. Uma forma alegre de convidar o público a frequentar mais as apresentações culturais gaúchas. Tantas perguntas ainda merecem resposta: O que faz uma pessoa ir toda semana (às vezes até mais de uma vez por semana) ao Cinema e gastar até mais no ingresso, pipoca e refrigerante e não ir nem uma vez ao mês ao Teatro? O que faz uma pessoa gastar 50, 60, 70 e às vezes até 100, 150 reais em uma apresentação teatral vinda de fora do Estado e não gastar 10, 15, 20 reais para assistir a uma peça gaúcha? Por que, apesar do fácil acesso aos teatros, às vezes até com entrada franca, as pessoas ainda preferem ficar em casa assistindo à TV?

Portanto, para colocar mais Teatro no seu cardápio eu sugiro um prato elaborado pela minha equipe desde agosto do ano passado. Esse prato já foi aprovado por muita gente e agora volta ao menu da cidade. Mais um motivo para estar fora do mundo virtual: estava preparando esse prato com muito carinho para o público gaúcho. O nome do prato é “Dois Perdidos Numa Noite Suja” e tem um gosto um pouco amargo, por retratar um pouco dessa sociedade de violência que citei anteriormente. Ele será servido sempre nas quartas-feiras do mês de abril pontualmente às 12h30min e às 19h30min. O local para a degustação dessa iguaria é na Sala Qorpo Santo, Campus Central da UFRGS. E o melhor: é de graça e não engorda! Bom Apetite!

É complicado...

2009-03-13T12:12:00.002-03:00

Não vou citar nomes! Deixo a carapuça disponível a quem quiser usá-la. Estava eu no meio de uma discussão ferrenha ontem. Ferrenha mesmo! Senti-me no meio de um fogo cruzado. Meu coração batia mais forte, minhas mãos tremiam, suava frio. Mesmo assim, tentei dar minha opinião sobre o assunto que estava sendo discutido, compartilhar a minha visão, mas não recebi abertura. Pior: no final de tudo, ainda fui intimado a me posicionar. Um grupo de quase dez pessoas que compartilham coisas em comum lideraram a discussão num grupo de mais de trinta. Os mais de vinte outros presentes não receberam abertura para se expressar e ainda foram intimados a dar sua opinião (como se fosse uma obrigação!). Ora, vivo num país livre, expresso minha opinião se eu achar que devo! E o pior é que eu achava que devia, mas não conseguia nem abrir a boca em meio ao caos que se formou.

Falou-se em não vir com discurso pronto: vieram. Falou-se em não usar dados duvidosos: usaram. Falou-se de ampliar a visão, mas defenderam a sua visão particular até o fim. Falou até em desrespeito: pois quem faltou com o respeito não foi o grupo de mais de vinte pessoas que não conseguiu falar, muito menos o líder de todo o grupo de mais de trinta pessoas. Pergunto-me, uma discussão assim pode chegar a alguma conclusão benéfica? Acredito que não. Se o discurso é incoerente com a prática, eu, como Bacharel em Teatro, não consigo crer nele e tomá-lo como verdadeiro. Acredito que a ação seja muito mais forte que o discurso. E, se querem discutir por discutir, negando a opinião do outro, achando que só a sua opinião é que está correta, eu me oponho a discutir. Prefiro reter minha opinião se sei que ela será desprezada de antemão.

Pois bem, essa discussão poderia ter acontecido numa manifestação social, numa briga de rua, num estádio de futebol, sei lá. Mas, infelizmente, aconteceu em SALA DE AULA. E pior: numa sala de aula com futuros professores em que se deveria discutir sobre Educação. E, justamente, quando o professor explicava a importância de conhecer-se melhor para poder conhecer seu futuro aluno e criar uma relação com o aluno. O professor bem que tentou, mas os “futuros professores” não criaram relação com seu mestre, portanto, não conseguiram construir conhecimento.

No entanto, acredito que o ocorrido não tenha sido de todo ruim. Para mim, foi uma representação cênica real do que o professor queria dizer. Uma alegoria verdadeira do tema exposto na aula. Além de fazer outras ligações com conceitos aprendidos em outras aulas do mesmo professor. Em vista da aprendizagem, pude construir muito conhecimento, pois tomei uma relação de apreciação e reflexão daquela cena ardorosa estabelecida na minha frente. Acredito que nunca esquecerei esse dia tão polêmico, mas tão proveitoso que me foi proporcionado. Muito obrigado, colegas!!!

É politicamente correto ser politicamente correto?

2009-02-27T23:55:00.002-03:00

Nessa vida de blogueiro, tenho lido vários comentários de peças de teatro, assim como tenho feito alguns e tenho notado algo curioso. Muitos textos que falam sobre peças de teatro são bem sublimes, quase sempre falam somente dos pontos positivos do espetáculo e, se falam dos pontos negativos, são de tamanha doçura e cuidado que quase chegam a se passar por elogios, ou comentários desnecessários feitos pelo autor que não tiram o brilho do trabalho em questão.

Primeiramente, quero esclarecer por que chamo meus textos e os textos de outras pessoas sobre espetáculos teatrais de “comentários” e não de “críticas”. Acredito que a “crítica” deva ser feita por alguém com profundo conhecimento de teatro, com uma bagagem artística extensa e que avalie o espetáculo em sua totalidade, sendo o mais isento possível. O que eu faço em meu blog é apenas falar do que eu achei da peça, na minha visão, acredito que até um pouco limitada, de recém-formado em teatro, com 4 anos de carreira artística apenas.

Apesar disso, já muitas pessoas leem meu blog e comentam (nele próprio ou pessoalmente) e me convidam para assistir aos seus espetáculos esperando que eu escreva algo, como se eu fosse um Hohlfeldt da vida. Com isso, chego à conclusão de que a classe teatral está com uma profunda ânsia de críticos teatrais, tanto pela falta que se tem desses profissionais necessários para o aprimoramento de nossa arte, como pela busca de um reconhecimento e respeito maior pelo teatro local, já que havendo mais críticos, o mercado se “agita” mais, pois o público procura frequentar mais as salas de teatro.

O porém é que, assim como eu, outros blogueiros que comentam sobre peças de teatro são pessoas ligadas de alguma forma à classe, com amigos, colegas, ou mesmo conhecidos atuando, dirigindo, enfim, trabalhando de alguma forma nos espetáculos que são expostos em seus blogs. Pois bem, acredito que essa “proximidade” de relação causa um certo receio em apontar os pontos a serem melhorados. Sinceramente, acredito que não é politicamente correto agir dessa forma. Acredito que a política mais eficiente seja fazer um comentário sincero para que os espetáculos evoluam e a qualidade do teatro gaúcho aumente cada vez mais e nos orgulhe de pertencer à “classe teatral”.

Falando agora como “gente de teatro”, o mundo teatral mexe com a nossa vaidade, com nossos medos, nossas incertezas e inseguranças. E é desconfortável ver tudo isso exposto ali em um blog para que todo mundo leia e tire suas próprias conclusões. Antes disso, é desconfortável saber que não causamos uma boa impressão para o nosso amigo, colega ou conhecido, no exercício de uma arte que nos apaixona tanto (aqui faço essa generalização porque quem escolhe fazer teatro é porque é realmente apaixonado pelo que faz).

Por isso, muitos colegas blogueiros optam pelo politicamente correto em seus comentários, exaltando os pontos bons e escondendo, disfarçando ou, simplesmente, ignorando os pontos a melhorar. Além disso, o nosso mercado cada vez mais se fecha em oportunidades e um comentário polêmico pode acabar por nos fazer perder possíveis chances de futuros trabalhos. Acredito que a classe, por mais ansiosa que esteja em ter seus espetáculos avaliados, ainda não está preparada para enfrentar uma “crítica”, salvo exceções. Muitas pessoas ainda tomam as opiniões de outrem como pessoais, ignorando ou justificando os comentários daquele que usou do seu tempo para, além de apreciar o espetáculo, escrever sobre ele.

Entretanto, por bem ou por mal, os blogs que comentam sobre teatro vêm crescendo em números e comentários. E isso é algo bom para o nosso teatro. Tanto para quem escreve, como para quem faz e, principalmente, para quem assiste. Espero que, aos poucos, esse “receio da crítica” vá mudando e os comentários sobre peças de teatro em blogs vão crescendo em qualidade, assim como os espetáculos. Isso, sim, é politicamente correto.

Solteiríssima

2009-02-04T18:41:00.002-02:00

É de praxe que no Porto Verão Alegre se tenham muitas peças comerciais, geralmente comédias. Quem me conhece sabe que eu não tenho nada contra peças comerciais, muito menos contra comédias. Pelo contrário: sou muito a favor, pois gosto inclusive de trabalhar em peças assim. É o tipo de peça que me atrai como público e como ator. No entanto, o teatro comercial é muitas vezes visto, principalmente pela maioria da classe teatral, como um teatro menor, de baixa qualidade, tratando de superficialidades, feito apenas para entreter o público, sem deixar qualquer possibilidade de uma reflexão pós-espetáculo. Sim, infelizmente existem muitos espetáculos assim, principalmente no Porto Verão Alegre cujo intuito principal é fomentar o teatro gaúcho num período onde geralmente as produções locais perdiam público devido ao período de férias. Porém, teatro comercial não é sinônimo de teatro de má qualidade.

O que acontece, por exemplo, se colocarmos quatro ótimos atores em cena, três deles fazendo diversos personagens muito bem caracterizados um a um? O que acontece se colocarmos uma excelente atriz no papel principal que saiba jogar com o público? O que acontece se o texto da peça for dessa mesma atriz e falar de constatações do cotidiano que muitas vezes a gente não percebe? O que acontece se os figurinos e cenários forem muito simples e práticos de forma que auxiliem a cena? O que acontece se tudo isso for pensado e produzido por um excelente e competente diretor? Teremos um dos maiores sucessos do teatro gaúcho: Solteiríssima!

Confesso que fui para o teatro convidado por uma amiga, caso contrário não teria ido, por pura falta de conhecimento e até preconceito, pensando que não iria aproveitar a minha noite. Pois bem, a surpresa foi ótima e vi, naquela noite, o meu melhor espetáculo desse verão até então. Acrescente-se ao que falei uma trilha sonora sensivelmente escolhida com músicas populares que causam imediata identificação com a platéia. Mais ainda, uma iluminação que ajuda nos múltiplos focos das múltiplas cenas que a peça possui.

E, não me canso de dizer: os atores são fantásticos! Renata Peppl, que também é a autora do texto, domina muito bem o palco, sabe jogar com a platéia e interpreta uma Susana com uma rica gama de emoções, tornando-a complexa e crível. Juliane Bitencourt usa seu humor inato para compor personagens extremamente divertidos com surpreendente naturalidade. Lucas Krug é um comediante dos melhores, daqueles que vão fundo em cada personagem, compondo fisica e psicologicamente seus papéis, tratando com extremo cuidado cada um deles. E José Alessandro arrasa na amiga (desculpem, amigo) de Suzana, sendo extremamente natural e coerente num papel difícil de não cair na caricatura, extraindo graça das situações e não da aparência ou trejeitos do personagem Horácio.

E, como todo bom espetáculo, gera reflexão, nos faz pensar e aproveitar alguma lição para a nossa própria vida. Solteiríssima pode gerar reflexões do tipo: “Nunca desista de encontrar a pessoa amada” ou “A pessoa certa pode estar mais perto do que você imagina” ou ainda “Nunca desista dos seus sonhos, cada coisa tem a hora certa para acontecer”, etc, etc e etc. Mas, ao sair do teatro, eu fiquei com a seguinte reflexão: “Não julgue o produto pela casca, vá ver!”. O espetáculo me fez acreditar mais ainda no teatro gaúcho de qualidade, com gente competente, trabalhando sério para fazer o público rir. E que no próximo Porto Verão Alegre existam muito mais espetáculos comerciais de extrema qualidade como esse, alterando, quem sabe, o tradicional pensamento da maioria da classe teatral de Porto Alegre.

Cada macaco no seu galho!

2009-02-02T12:44:00.000-02:00

Fui convidado para participar de um trabalho aparentemente muito legal. Na verdade, fui re-convidado, e é exatamente esse o problema. O cara que me convidou queria re-montar a peça. Explico desde o início: há cinco anos atrás, esse cara montou uma peça com texto próprio que teve uma boa resposta do público. Pois bem, após essa temporada de sucesso, ele quis remontar o trabalho com novos atores, já que a maioria do elenco havia saído por motivos pessoais. Aí é que eu entrei: estava no meu primeiro ano de faculdade quando fui convidado a participar da remontagem da peça. Foram quatro longos meses de ensaios e a peça de cinco atos não passava do segundo. Os ensaios não rendiam, não evoluíam. A peça é bem fragmentada, sendo necessário que se ensaie as cenas separadamente e, depois, bem no final do processo, se junte tudo. Qualquer pessoa que estuda teatro sabe disso. Pois, foi justamente esse o problema: o cara não estuda teatro! Acabamos engavetando o projeto após esses quatro meses. Eis que depois de três anos, depois de eu ter me formado em teatro, é que ele quer re-re-montar o espetáculo.

Confesso que o texto do cara é ótimo! É uma dessas peças comerciais de qualidade, que chama bastante público e oferece um trabalho de qualidade, criativo e divertido. Tudo isso, é claro, se houvesse uma direção. Pergunto-me: como uma pessoa que não estuda teatro pode querer dirigir uma peça? Tudo bem que ele teve um sucesso de público na primeira temporada. Acontece que o artista de teatro tem uma característica profissional muito singular: a repetição! Temos de saber repetir em todas as apresentações as ações e emoções do personagem, o texto, as marcações, etc, etc, etc. Tudo como se fosse a primeira vez, com o mesmo resultado da primeira vez. Pois bem, o cara quer dirigir a peça querendo obter o sucesso da primeira vez. Fazendo o mesmo processo da primeira vez, com atores que não são os da primeira vez(!)... É necessário eu explicar que não é assim que se dirige? É necessário eu explicar que o cara poderia não apenas re-montar a peça, mas re-criá-la, re-produzi-la, re-inventá-la? É necessário eu explicar que a repetição que o artista de teatro faz é exatamente uma re-criação, uma re-produção, uma re-invenção?

Pois bem, o cara chamou um amigo nosso que está começando a dirigir espetáculo e que certamente tem um grande futuro como diretor pela frente para ser seu “assistente”. Como podem imaginar, não rolou. Não quero ser separatista, acredito que muitas pessoas tenham talentos múltiplos, mas não é porque ele escreveu um texto brilhante que justamente ele tem de dirigir o trabalho. Dramaturgo excelente não faz um diretor excelente. Cada macaco no seu galho!

Enfim, esse meu texto foi mais um desabafo que algo realmente interessante de se ler. Só o fiz porque acho uma injustiça até com o próprio cara, o que escreveu o texto da peça, pois ele poderia estar ganhando rios de dinheiro se deixasse alguém dirigir o seu precioso tesouro que ele guarda a sete chaves...

A Vida Sexual dos Macacos

2009-01-20T12:20:00.003-02:00

Assisti tardiamente ao espetáculo A Vida Sexual dos Macacos no dia 17 de janeiro de 2009: reestréia! Depois da peça, pensei: “Por que não vi isso antes?” Texto ótimo, ator ótimo, direção ótima, cenário ótimo, tudo ótimo... Porém, uma dúvida me abateu profundamente: Eu fiz sexo com Daniel Colin? Ou com Felipe Galisteo? Explicando: o espetáculo do início ao quase-fim tem muito do Felipe. Até a composição de Daniel Colin remete a gestos e trejeitos do diretor (claro que só percebe quem conhece o Felipe). Porém, no final da peça, no relato da experiência do personagem em Londres, chego a me perguntar se aquilo não aconteceu realmente com o Colin. Afinal, Felipe não fala inglês, mas Colin fala. A atuação de Colin é tão verdadeira no relato que parece que realmente ele viveu aquela experiência. Ou então, fui enganado direitinho. Mas essa é umas das dúvidas que eu gostei de ter e não quero que ela seja sanada...

Fora isso, os distanciamentos necessários foram extremamente bem executados, com um macaco nada convencional interrompendo ou “auxiliando” o protagonista. O cenário é limpo, colocando o excelente Daniel Colin em evidência. Efeitos extremamente teatrais são de tirar o chapéu, como a neve que cai em pleno palco. A cena da festa e da primeira experiência sexual do personagem foram vistas no corpo de Colin naquele espaço vazio. A iluminação é excelente, contribuindo para criar atmosferas na peça. Isso tudo com os poucos recursos que deu para notar quanto aos refletores existentes na sala 309 da Usina do Gasômetro. O texto de Felipe é excelente, saindo do convencional de fazer um apanhado geral de clichês, optando pelo humor inteligente e divertido.

A interação com a platéia merece destaque. Daniel Colin sabe exatamente qual será a reação da platéia em determinada ação. Ele nos tem na mão. E sabe nos conduzir para onde ele quer. Tanto é o seu controle que, ao final da peça, ele nos solta propositalmente, nos deixando sem chão com seu relato, emocionando-nos e querendo assistir a mais uma hora e meia de espetáculo.

Mas, em se tratando da dobradinha “Felipe-Colin” o fato de o espetáculo ser bom é natural ou cultural? Vale a pena conferir n'A Vida Sexual dos Macacos, em cartaz na Usina do Gasômetro, de 17 de Janeiro a 08 de Fevereiro, somente sábados e domingos, às 19 horas. Por que vale a pena? Pelo texto, pelo ator, pela direção, pelo cenário, pela iluminação e pela bela cena de nudez do macaco... Aliás, quanto ao macaco, pergunto-me como seria a nossa vida se o Homo Habilis tivesse evoluído também, assim como o Homo Sapiens...

Mas, e o vestibular, hein? Que coisa louca aquilo...

2009-01-09T16:49:00.002-02:00

Poderia iniciar o ano dando uma mensagem legal, de energias positivas para esse ano que começa e tudo mais... Mas, e o vestibular, hein? Que coisa louca aquilo...

Primeiramente, gostaria de explicar que apesar que recém-formado, estava, sim, prestando vestibular. Acontece que me formei em Bacharelado e a maioria dos concursos públicos para professor de educação artística pede Licenciatura Plena na área. Infelizmente, a UFRGS enxerga o curso de Teatro – Bacharelado e Teatro – Licenciatura como dois cursos diferentes. Como diz o Chicó, em O Auto da Compadecida: “Eu não sei, só sei que foi assim...” Portanto, é inviável pedir Permanência como fazem os alunos do mesmo Instituto de Artes nos cursos de Música e Artes Visuais. Pois bem, tive de ser avaliado novamente. Assim, como se eu emburrecesse com o passar do tempo... Há ainda a opção de ingresso de diplomado, mas só vai abrir inscrições no final desse ano. Como não queria ficar um ano inteiro sem estudar (o CDF), fiz o bendito vestibular.

No meu tempo (expressão de idoso), era bem mais fácil e deve ter sido pelo fato de eu não ter estudado, o que seria lógico e coerente. Mas, quando eu fiz vestibular, a prova solicitava um raciocínio maior do candidato, exigia reflexão e, portanto, não adiantava decorar o que os professores do cursinho diziam. O aluno devia fazer uma relação entre os conteúdos e levar esses conhecimentos para a vida prática e atual.

Pois bem, qual não foi a minha surpresa quando, ao me deparar com a prova, havia várias questões que eu não sabia responder pois pediam justamente uma decoreba de fórmulas e conceitos. Li num jornal de grande circulação que a UFRGS está tentando aproximar a sua prova de vestibular do aluno do Ensino Médio, alternando questões reflexivas com questões de memorização de conceitos básicos de cada matéria. Para se ter uma idéia: a prova de História (que quase sempre foi uma prova bem elaborada, com possibilidades de reflexão extensa sobre os períodos históricos, dando enfoque principal na História do Brasil, com quase metade das questões) foi ridícula. Apenas 8 questões sobre a história nacional e somente até o Brasil do ano de 64. Isso quer dizer que todo o desenvolvimento da ditadura militar, a redemocratização, Diretas Já, CUT, Governo Sarney, Inflação, Governo Collor, Impeachment, Plano Real, MST, entre outras questões da atualidade (ou que se refletem no momento presente) foram surpreendentemente ignoradas.

O que é isso? A UFRGS quer candidatos que reflitam sobre o seu mundo ou que simplesmente saibam memorizar? Nas aulas da universidade, os professores exigem a reflexão do aluno em trabalhos e provas. O exercício da escrita dissertativa é feito durante toda a jornada de um curso na UFRGS. Contava com isso para passar na prova, mas estou sendo bem pessimista quanto ao meu desempenho.

Minhas notas até que não foram ruins. Fiquei abaixo da média em 2 delas, apenas. Em outras duas provas, fiquei bem acima da média, o que compensa com as que não fui muito bem. Agora, só falta a nota da redação para saber meu desempenho total nesse vestibular. Se não passar, já tenho planos de fazer o ingresso de diplomado no final do ano, enfim, já que passei uma vez na UFRGS (em primeiro lugar no meu curso, inclusive) não sairei de lá tão cedo. Vamos ver o que o destino me reserva. Mas convenhamos: depois de ter ficado em primeiro lugar no vestibular de 2005, reprovar nesse vestibular de 2009, depois de ter me formado Bacharel em Teatro, é até engraçado, não?

2000-INOVE

2008-12-31T13:05:00.009-02:00

Mais um ano que vai, mais um ano que vem, e eu comigo aqui sentado nesse apartamento...

Não! Nada disso! Sem nostalgia! Um ano totalmente novo vem aí! Uma página em branco para nós escrevermos o que quisermos. Uma tela vazia para pintarmos com as cores que mais gostamos. Um palco nu para atuarmos da forma que bem entendermos.

Já disse um sábio, uma vez, que quem criou o ano teve uma sacada genial. Pois é exatamente o período de tempo que o ser humano agüenta fazer algo. Depois disso, vem a renovação, a recarga das forças para reescrever, repintar, “re-presentar” outras histórias na nossa vida.

Segundo a astrologia, esse ano vindouro é o ano do Sol, que promete realizações para novos projetos. Portanto, RENOVE, REPAGINE, REINVENTE, REALIZE...

Pode parecer um texto ultra-otimista, mas quem não deseja novas experiências nos próximos 12 meses pós-reveillón que atire a primeira pedra. Esse período de Ano-Novo (para mim, pelo menos) serve para renovar as energias e sonhar mais, sonhar até sonhos antigos de forma que eles algum dia virem realidade. Ou rever os sonhos antigos e ver se ainda vale a pena realizá-los.

De qualquer forma, é uma data marcante na vida de todos, com certeza e, por isso, desejo a todos:

UM MARAVILHOSO 2000-INOVE!!!!!!

Beijão a todos

Douglas Carvalho!!!

Bacharel em Teatro!!!

2008-12-23T11:52:00.003-02:00

Aí estão as fotos do meu trabalho de conclusão no curso de Bacharelado em Teatro do Departamento de Arte Dramática da UFRGS, o DAD. É complicado falar sobre o meu próprio trabalho. Gostaria que alguém falasse. Porém, já ouvi tanta coisa dos meus colegas, do público de fora que foi assistir e, inclusive, da banca de avaliação composta pelas ilustres Moira Stein (Tibicuera de Melhor Direção em 2007), Mirna Spritzer (Indicada ao Açorianos 2008 de Melhor Atriz) e Leonor Mello (Professora substituta do DAD por diversas vezes, com grande experiência em Antropologia Teatral). Todas as críticas feitas foram muito construtivas e só acrescentaram ao meu desenvolvimento, não só como ator, mas como uma "pessoa de teatro", um profissional da área.

Sinto-me orgulhoso por ter concluído o curso de Teatro da UFRGS, um dos melhores do país. Apesar das deficiências que todos sabem que existem no ensino público, o DAD me ofereceu uma formação em 4 anos que demoraria talvez 20 ou 30 anos na minha carreira teatral para vir a conhecer. Tive aulas com professores maravilhosos, que, na época das aulas, talvez não desse muita importância, mas hoje reconheço dentro de mim o valor de cada um. Obrigado a todos e faço questão de listá-los aqui:

Sérgio Silva, Gisela Habeyche, Cristiane Werlang, Xico de Assis, Taís Ferreira, Ana Lara Vontobel, Inês Marocco, Élcio Rossini, Clóvis Massa, Flávio Maineri, Daggi Dornelles, Lígia Motta, Mirna Spritzer, Eneida Dreher, Irion Nolasco, Luciana Éboli, Ramiro Silveira, Maria Falkembach, Marta Isaacson, Adriane Mottola, Alexandra Dias e Moira Stein.

Um agradecimento especial à Ciça Reckziegel e Joana Isabel, com as quais trabalhei por 2 anos no curso de extensão em Teatro do DAD/UFRGS, onde tomei o gosto por dar aulas e aprendi muito, tanto com elas, quanto com meus alunos.

Gostaria também de dedicar uma atenção especial aos meus colegas, com quem aprendi muito. Há pessoas que começaram comigo no DAD e tiveram diversas aulas comigo, semestre a semestre, compartilhando experiências, frustrações e vitórias. Há pessoas que dividiram seus talentos comigo em montagens fora das disciplinas do DAD, com quem dividi descobertas, nervosismos e aplausos. No entanto, todos os meus colegas, sem exceção, fazem parte da minha formação como pessoa de teatro. Através deles pude jogar, brincar, brigar, trocar, aprender e ensinar. Muito obrigado, galeraaaaaaaaaaaa!

Logicamente, só falta a minha família a quem eu só tenho de agradecer. Para quem não sabe, entrei na UFRGS em 2002, no curso de Ciência da Computação. Na época, eu era muito imaturo e não sabia direito ainda o que queria da vida. Depois, parti para o curso de Publicidade e Propaganda. Demorei um pouco para aceitar e assumir a vida de artista. Porém, a vontade de subir nos palcos pelo resto da vida foi muito mais forte e fiz vestibular novamente, dessa vez para Teatro. Tirei o primeiro lugar no vestibular do curso de Teatro da UFRGS em 2005. Para mim, foi um sinal de que havia feito a escolha certa. Avós, tias, pai, maninho e agregados, apesar do susto inicial, apoiaram a minha escolha e, algumas vezes, tive o prazer de tê-los na platéia, assistindo às minhas "performances". Uma pessoa muito especial surgiu-me nesse ano, e devo muito à ela. Essa pessoa me deu muita, mas muita confiança, segurança e afeto. Fez-me acreditar no meu talento e a seguir sempre em frente. Porém, a pessoa que mais me deu força acima de tudo foi a minha super-heroína: Jane - A Super-Mãe. Obrigadão por tudo, Mãe!

Bem, agora torno-me oficialmente um Bacharel em Teatro solenemente perante a Universidade. Como todo bom CDF, faço parte da Comissão de Formatura e sou o Juramentista. Sinto-me extremamente honrado por jurar respeito e honestidade no exercício da profissão em nome de toda a minha turma. Não consegui a Láurea Acadêmica como havia sonhado: deveria ter tido 80% de conceitos A e fiquei com 70%. Mas o importante é que aprendi muito durante minha jornada na faculdade: experiências e conhecimentos que ninguém jamais vai poder tirar de mim.

Para encerrar, meu maior agradecimento ao público de teatro que me prestigiou com sua presença nos 10 espetáculos que fiz durante a minha graduação. Meu trabalho só tem sentido com a presença de vocês.

Obrigado a todos! Beijão a todos!

Douglas Carvalho dos Santos - Bacharel em Teatro pela UFRGS

PS: Esse texto é o que gostaria que fosse o meu discurso de formatura (a partir do segundo parágrafo). Porém, por causa do grande número de formandos, terei de resumir em poucas palavras o que já não cabe dentro de mim... Coisas de universidade pública, hehehehehe. A cerimônia de Colação de Grau é no dia 10/01/2009, às 17 horas, no Salão de Atos da UFRGS. Estão todos convidados!

Galeano Mostra 1: O País de Helena

2008-12-17T18:33:00.003-02:00

Um show de imagens! Isso é o espetáculo Galeano Mostra 1: O País de Helena, apresentado na Sala Qorpo Santo, de 28 de novembro a 02 de dezembro, sob a direção de Ana Paula Zanandréa. No elenco, as atrizes-cantoras-bailarinas Elisa Volpatto e Priscilla Colombi. Basicamente, o trabalho integra a música e a dança na linguagem teatral, tomando como ponto de partida, os escritos do uruguaio Eduardo Galeano. O espetáculo apresenta muitas inspirações do teatro contemporâneo como Peter Brook, Bob Wilson e, principalmente, Pina Bausch.

Peter Brook, pois há a simplicidade de ter apenas duas atrizes no palco, com cenários singelos como cadeira, mala e figurinos, muitos figurinos. Há ações como vestir e despir o corpo, fumar cigarros, cantar, dançar, brincar, enfim, ações que teriam tudo para serem simples. Porém, elas tornam-se complexas e profundas ao encontrar a linguagem da dança e da música dirigidas a contar histórias, função essa basicamente do teatro. No entanto, essa questão se torna muito pequena para explicar o espetáculo. O trabalho é híbrido. Ao ver Galeano Mostra 1, não importa mais diferenciar o que é Dança, Música ou Teatro. Todas essas artes se fundem a serviço da Literatura de Eduardo Galeano.

A inspiração em Bob Wilson pode ser vista pela ousadia na construção de imagens. Por vezes, a luz é muito clara, expondo o corpo virtuoso das atrizes que bailam ao som de uma trilha sonora muito bem escolhida. Outras vezes, o palco fica em completo breu. Uma vela ilumina o semblante de uma atriz; uma esponja de aço em chamas faz surgir estrelas em pleno palco. Entre o clarão e a escuridão, uma infinidade de nuances não deixa o nosso olho parar. A mesma cena inicia e termina o espetáculo, com um barulho de mar ensurdecedor e poético. Difícil ficar inerte assistindo à peça, pois nossos sentidos são pegos de surpresa, nos fazendo querer estar lá no palco com as meninas, celebrando Arte.

A inspiração na sempre "pouco óbvia" Pina Bausch fica por conta do bailado das atrizes que encontram jeitos "pouco óbvios" para contar corporalmente as histórias da vida de Helena, personagem de Galeano. A infância, adolescência e vida adulta são transmitidas através da energia dos corpos no espaço. Uma construção também "pouco óbvia" de personagens. Aliás, falando das atrizes: ambas possuem um domínio muito grande dos seus instrumentos de trabalho, mostram segurança e dedicação. Musicalmente, Elisa Volpatto enriquece as canções (composições belíssimas, por sinal) cantando em linhas melódicas mais complexas, deixando a colega com a base da música. Priscilla Colombi, usa inteligentemente seu instrumento vocal, mostrando habilidade musical aprimorada na percussão.

Um toque de humor na poesia do espetáculo também aparece com a própria diretora subindo ao palco para expôr a “falcatrua” toda desse trabalho. Falcatrua que não puxa o nosso tapete. Pelo contrário, uma falcatrua que nos oferece uma belíssima peça e nos deleita com o trabalho de três grandes artistas, que sabem usar os múltiplos talentos em função da arte. Uma falcatrua necessária para fugir da burocracia típica das montagens universitárias e exercitar a liberdade de criação, fator que deveria ser fundamental na academia. Acredito que o espetáculo até abusa nesse sentido, mas esse abuso nos delicia e se faz necessário para apresentar O País de Helena. Falta Teatro? Sobra Dança? Falta Música? Ah, não importa... As três grandes artistas criadoras deste trabalho terão ainda mais um semestre para finalizar um trabalho simples e complexo ao mesmo tempo como esse. Mas, se o embrião do projeto já está maravilhoso, o produto final, então, será uma obra-prima. Arrasem, meninas!!!

Essência

2008-12-15T17:25:00.005-02:00

Essência (do latim essentia) substantivo feminino: aquilo que é o mais básico, o mais central, a mais importante característica de um ser ou de algo, que lhe confere uma identidade, um caráter distintivo. Pois bem, isso estava presente no palco da Sala Alziro Azevedo, nos dias 28, 29 e 30 de novembro, com sessão extra no dia 01 de dezembro: a essência de ser ator. Ou melhor, atriz. Já que Essência é um substantivo feminino, como o nosso querido Houaiss explica, a essência de Paola e Camila também é feminina. Sim, "a essência" de Paola e Camila, no singular, e não "as essências", no plural. Explico o porquê: As duas atrizes são uma só! Contam a história de uma só vida e vivem essa apenas uma vida. Isso não quer dizer que as atrizes estejam iguais. De forma alguma. Elas são como duas faces da mesma moeda, duas personalidades que habitam um só corpo, duas bocas falando pela boca de uma única personagem: Teresa. Duas atrizes combinando seu jeito de ser em um espetáculo. Ah, sim, ia-me esquecendo: Essência é um espetáculo de teatro, inspirado na obra de Caio Fernando Abreu e também é o Estágio de Atuação II de Paola Morais, uma das metades de Teresa.

Mas, voltando à questão de ser “aquilo que é o mais básico, o mais central, a mais importante característica de um ser ou de algo, que lhe confere uma identidade, um caráter distintivo”, o que seria a essência do teatro? Exatamente o que as atrizes dessa peça fizeram. O cenário? Dois cubos pretos. O figurino? Malhas pretas e camisa social branca. A trilha sonora? Adequada. A iluminação? Singela. As atrizes? Estupendas! O espetáculo chama a atenção por esse motivo. O bom uso de convenções teatrais na criação das cenas, que torna crível tudo o que ocorre no palco. Desde um refletor fazendo um círculo azul no chão, uma atriz num cubo olhando para baixo e outra atriz no escuro falando dentro de um aquário significar um poço até a própria atriz fazendo o barulho do telefone com a voz são absolutamente verossímeis para o espectador. Paola e Camila fazem renascer a essência do teatro: o trabalho do ator. Esse é o foco do trabalho. As atrizes estão muito à vontade em cena, deixando seus próprios jeitos de ser cotidianamente aparecerem no espetáculo. Elas realmente se divertem fazendo a peça. E essa também é uma essência: a essência do trabalho do ator. Se o ator não se diverte fazendo seu trabalho, quem vai se divertir? É a essência da essência da essência. E quem ganha com isso? O público que recebe olhares maliciosos e risadas espontâneas em atuações certeiras das atrizes.

Não sei se notaram, mas esse texto está cheio de pontos de interrogação. Pois bem, foi assim que me senti ao sair da Sala Alziro Azevedo naquele sábado à tarde, após assistir Essência. Perguntas sobre a minha própria essência, sobre o sentido da minha própria vida. Muito Caio Fernando Abreu! Aliás, na dramaturgia proposta pelas atrizes, Caio Fernando Abreu deixa de ser tão melancólico e depressivo e se mostra engraçado, rindo de si mesmo. Parabéns, meninas, e continuem com o trabalho! Mais pessoas merecem ver os seus “paus de cumeeira”.

Soledades

2008-12-11T12:34:00.006-02:00

Museu Joaquim José Felizardo localizado na Rua João Alfredo, 582. Lá foi apresentado o espetáculo Soledades, inspirado nas personagens femininas da obra Cem Anos de Solidão, de Gabriel Garcia Marquez, nos dias 25, 26, 27 e 28 de novembro. Gostaria de começar elogiando o título do espetáculo: Soledades, que pode significar solidões femininas, mulheres que vivem em solidão... Muito criativo e de acordo com o que foi apresentado. Pois bem, voltando ao Museu, não há lugar melhor para se fazer tal espetáculo do que esse. Perfeito! O público parecia estar dentro de um filme, olhando as cenas externas de dentro dele. Um choque de realismo que contrasta com a narrativa nem um pouco linear. Esse choque é o que provoca, ao meu ver, a teatralidade. E isso havia de sobra em Soledades. As frases repetidas, os figurinos singelos, mas muito bem acabados, as convenções que só o teatro nos permite fazer.

Além do cenário perfeito, a iluminação era natural, deixando o anoitecer de Porto Alegre fazer o seu trabalho. A trilha sonora ficava por conta dos pássaros que vivem no Museu. Ou seja, tudo estava pronto para que três grandes atrizes fizessem seu trabalho. O que foi honrosamente executado por todas. Mariana com um olhar brejeiro e sorriso malicioso deu vida a Pilar transformando esse frescor dado à personagem em uma dor profunda ao encarnar a sofrida Amaranta. Gestos precisos e verdadeiros e muita ousadia ao interagir com a platéia de forma tão íntima. Vanessa aproveitou suas características juvenis e sua facilidade em interpretar papéis mais jovens para atuar como Rebeca, a menina que come terra, e Renata (ou Meme) uma menina cujos cabelos se enchem de borboletas amarelas anunciando a chegada de seu amor. Destaque para uma personagem que não aparecia tanto: a criada de Fernanda, na qual Vanessa utilizou um corpo (gestual e vocal) diferente do seu para interpretá-la, fugindo da meninice típica dos seus outros papéis na história. Porém, a grande surpresa no espetáculo ficou por conta de Ariane, que interpretava Úrsula em diversas fases da vida (indo até a velhice e a cegueira da personagem, inclusive) e Fernanda, uma mulher fútil, apegada aos valores materiais. Ariane conseguiu diferenciar as personagens muito bem, investindo na sua feminilidade e trejeitos delicados, usando gestos, posturas e vozes diferentes para cada uma das suas Soledades. Enquanto Fernanda tinha uma postura ereta e altiva, Úrsula andava encurvada e tímida: um corpo diferente para cada personagem. Destaque para a cena em que Fernanda escreve uma carta ao seu médico. Humor e drama na medida certa, executados com uma espontaneidade surpreendente.

A interação com o público também merece destaque. As atrizes interagiam muito conosco, olhando profundamente nos nossos olhos, tocando-nos, fazendo-nos percorrer vários espaços do Museu. E, essa interação vinha de outros lugares também: as meninas mexiam com o nosso interior, emocionando-nos e fazendo-nos rir. Certos momentos de estranhamento também foram lindamente executados pelas atrizes. Por vezes, a atriz deixava a personagem de lado e narrava um trecho da história, aumentando a teatralidade do espetáculo. No entanto, apesar de a adaptação ter sido muito feliz, o espetáculo Soledades não nos tira a vontade de ler a obra de García Marquez. Pelo contrário, uma curiosidade imensa é despertada acerca do livro. Parabéns, meninas! E continuem com esse trabalho, levem-no adiante, pois mais pessoas merecem assistir a essa obra-prima!

Mostra DAD 2008/2

2008-12-11T12:25:00.006-02:00

É complicado falar sobre algo no qual se está fazendo parte, sabe? Não há isenção! Entratanto, de acordo com o que estou ouvindo pelos corredores do DAD/UFRGS, a Mostra de Teatro do DAD 2008/2, que apresenta trabalhos de Estágio I e II de atuação e direção (o que vem a ser a conclusão e pré-conclusão do curso de Teatro da UFRGS), está maravilhosa.

Há muito tempo que não tínhamos no Departamento de Arte Dramática uma mostra de teatro com esse nível de qualidade e divulgação elevados. Não querendo desmerecer as outras mostras que aconteceram nos anos anteriores, mas esta está sendo especial para todos os participantes e, principalmente, para o público que vem assistir aos espetáculos. Parabéns para Thiago Pirajira, o produtor da Mostra que está fazendo um trabalho excelente, mostrando sua elevada competência e eficiência.

Por causa disso, resolvi postar aqui no blog, algumas impressões de cada espetáculo, até para quem não viu, ter um gostinho do que perdeu (rsrsrsrsrsrs). Não tenho pretensão de fazer uma crítica teatral dos espetáculos, são somente impressões de um recém-formado em Teatro e de um amigo de quase todos os colegas que estão na Mostra. Peço desculpas pela parcialidade, mas é impossível ser isento também nesse aspecto.

Beijão a todos

"Impersonator" X Ator = bobagem...

2008-12-09T14:16:00.007-02:00

Há muito tempo, pergunto-me o que seria um bom ator. Já ouvi várias definições como generoso, dedicado, disciplinado, disponível, entre outras que, a meu ver, parecem mais qualidades de um bom colega de cena e de um bom profissional que propriamente de um bom ator em si. Por certo, um ator deve possuir as características acima citadas, mas falando mais propriamente do trabalho do ator, do seu fazer quando está atuando, indo mais profundamente na sua essência: que características um bom ator deve possuir?

Há muitas discussões sobre as diferenças entre aquele ator de “incorpora” um personagem com características completamente diferentes dele próprio e aquele ator que é ótimo, mesmo sendo ele mesmo em todos os personagens que faz. Esta diferenciação é feita desde muito tempo, sendo encontra em registros, no entanto, a partir do Paradoxo do Comediante, de Diderot.

A partir de uma pesquisa informal feita por mim, pude notar que a maioria das pessoas prefere o primeiro tipo de ator, aquele que encarna o personagem e se tranforma em cena. Os atores do segundo tipo, muitos disseram que são sempre iguais em cena, emprestando características suas aos personagens. Porém, há quem diga que é um exercício de completa generosidade, emprestar características próprias a uma outra vida que não lhe pertence. No jargão hollywoodiano, os atores do primeiro tipo são chamados de “impersonators”, e são muito exaltados na mídia, como é o caso de Meryl Streep e Daniel Day-Lewis. Alguns atores, mesmo que sempre emprestem características suas aos personagens que fazem, conseguem um espaço diferenciado no showbusiness, como George Clooney e Whoopi Goldberg.

Pois bem, minha busca no meu trabalho de conclusão no DAD, Dois Perdidos Numa Noite Suja, de Plínio Marcos, também foi contruir um Paco com características diferentes de mim, ser um ator que “incorpora” o seu personagem. No entanto, acabei percebendo que, embora o papel sendo diferente do ator, é impossível se ausentar de si mesmo no exercício de nossa profissão. O ator também está ali no palco, posicionando-se corretamente no foco de luz, lembrando do seu texto, olhando nos olhos do colega de cena, percebendo a reação do público, entre outras coisas. Ser um “impersonator” deixou de ser importante para mim com esse processo. Essa busca, que era primordial para mim desde o início da minha trajetória no curso de teatro da UFRGS, acabou sendo substituída pelo respeito. Respeito com a equipe que está participando no projeto, respeito ao autor que criou a obra, respeito a vida que merece ser empregada na composição do personagem e, principalmente, um respeito enorme com as pessoas que saem do conforto de suas casas para assistirem ao nosso trabalho. Essa última busca é o que me faz seguir nessa arte, trabalhando da forma mais honesta, competente e profissional possível. Hoje, acredito que o respeito é a principal qualidade de um ator.

PS: Esse texto foi extraído do capítulo Conclusão do meu TCC na UFRGS!

Bem-vindos!!!!!!!!!!

2008-12-09T13:18:00.002-02:00

Meu blog! Até que enfim... Relutei muito em ter um blog. Mas é tão bom escrever e escrevo tanto coisas que só ficam guardadas no meu computador... Enfim, decidi fazer esse blog pessoal para escrever textos sobre coisas que me inquietam e exercitar minha escrita.

Gostaria também de explicar o título do blog. Para muitos, pode parecer que o título do blog foi criado pelo fato de eu ser mais uma cria do DAD (para quem não sabe é o Departamento de Arte Dramática da UFRGS). OK, também é por isso. Mas também é porque o blog vai ter a minha cara. Não tenho nenhuma pretensão profissional ou de qualquer outra espécie. Esse blog será uma douglasDADE dos meus pensamentos, assim como esse sufixo é usado em originaliDADE, profundiDADE e feliciDADE. A qualiDADE de ser eu mesmo: o Douglas!!!

Beijão a todos

Douglas Carvalho